Beaucoup a été dit sur les objets qu’Émilie Picard accumule dans ses tableaux. Ces masques et plantes en déshérence, morceaux de décor, maquillages coulés et bricoles manufacturées à quatre sous sont des objets de simulacre. Des objets jetables, vaguement sentimentaux — dans un film américain ils auraient été gagnés à une fête foraine —, toujours est-il que l’artiste ne les jette pas. Elle les a conservés et, indubitablement feint de s’en préoccuper. Il n’est pas tellement question de jeu mais plutôt de quelque chose qui ressemblerait à un théâtre de la mémoire. Ce faisant, elle joue à les aimer, à les dédaigner, à s’en moquer un peu. Elle en prend soin, les convoque du bout des lèvres tels des marionnettes prêtes à s’animer pour l’esprit battant le ressouvenir.
Ces objets s’accumulent dans les tableaux, et, depuis 2015, la peinture ne contient plus une seule présence humaine.
Une seule chose est certaine, Émilie Picard dispose d’eux et, plus le temps passe, plus l’espace qui les contient se réduit. Dans les tableaux récents la profondeur s’amincit tant que le regard entre presque dans le mur. Les ombres portées se font plus franches et disent cette proximité avec le regardeur. Proximité ou intimité, à chacun de se poser la question.
Tableau après tableau, l’artiste construit un décor : portemanteau où viennent s’accrocher au fur et à mesure sens et symboles comme autant de vêtements prêts à servir de déguisement pour qui veux bien s’en saisir. Ce ballet est propre à la peinture, à la nuance près qu’Émilie Picard ne se contente pas de rejouer le simulacre habituel. En témoigne l’omniprésence de la lumière dans ses tableaux. Chez elle le plein est à l’image de la matière, il est essentiellement constitué de vide. Ainsi, l’importance de la frontalité du tableau est mise en balance par les lacunes blanches que l’artiste laisse parcourir l’image et qui sont autant de déchirures à sa surface. Or il ne s’agit pas à proprement parler de lacunes, mais bien de parties peintes que l’artiste retire dans un second temps. Elles sont autant de déchirures qui creusent l’image et mettent à jour une part de travail apparemment laissé de côté. Cet envers du décor est obtenu par un geste qui produit des pelures, elles-mêmes réutilisées dans une série de collages qui sont des nota bene des peintures.
Ce qui se joue dans cette présence de l’envers du décor est sa condition déceptive et festive à la fois. Le rideau se déchire et avec lui l’illusion qu’il porte. Tout ce que la peintre a patiemment choisi puis mis en scène s’ébranle : la profondeur des fissures qui parcourent l’image annonce leur chute. Couronne, pantin, palissade et colifichet vont s’écailler telle la peinture d’un portail brûlé par trop d’étés. Derrière, la lumière serpente. Implacable. Elle semble danser dans les entrailles de l’image. Elle dit la fête que se fait l’esprit à l’approche d’une part de vérité. Mais cette vérité, Émilie Picard n’en dit rien. C’est une vérité muette que l’artiste trace du bout de l’index en tournant le dos aux observateurs.
Mit der Unterstützung des Büros für Bildende Kunst des Institut français Deutschland - Französische Botschaft in Deutschland
Viel ist gesagt worden über die Objekte, die Émilie Picard in ihren Gemälden anhäuft. Diese verwahrlosten Masken und Pflanzen, Dekorstücke, verlaufenen Schminkfarben und billig hergestellten Ramschwaren sind Gegenstände des Scheins. Wegwerfartikel von höchstens sentimentalem Wert – in einem amerikanischen Film könnte man sie auf einem Jahrmarkt gewinnen –, die von der Künstlerin allerdings nicht in den Müll geschmissen werden. Sie hat sie aufbewahrt und täuscht zweifellos vor, sich ihrer anzunehmen. Es geht dabei weniger um das Spielen, sondern vielmehr um etwas, das wie ein Theater der Erinnerung anmutet. Dazu gehört, dass sie spielt, die Objekte zu lieben, sie zu verschmähen und sich ein wenig über sie lustig zu machen. Sie kümmert sich um sie und beordert sie halbherzig herbei, wie Marionetten, die bereit stehen, um für den Geist zum Leben erweckt zu werden, der die Erinnerung besiegt.
Diese Objekte türmen sich in den Gemälden, und seit 2015 kommt Picards Malerei ohne jegliche menschliche Präsenz aus.
Eines ist sicher: Sie gebietet über die Objekte, und je mehr Zeit vergeht, desto mehr verringert sich der Raum, der sie einschließt. In den jüngsten Gemälden nimmt die Tiefe so sehr ab, dass der Blick fast bis in die Wand vordringt. Die Schlagschatten heben sich stärker ab und deuten auf die Nähe des Betrachters hin. Ist es Nähe oder Intimität? Diese Frage muss sich jeder selbst stellen.
Gemälde für Gemälde erschafft die Künstlerin eine Kulisse: einen Garderobenständer, an den nach und nach Bedeutungen und Symbole wie Kleider gehängt werden, die als Verkleidung für all jene bereitliegen, die sich ihrer bedienen möchten. Dieses Ballett ist charakteristisch für die Malerei, nur bei Émilie Picard mit dem feinen Unterschied, dass sie sich nicht damit begnügt, das übliche Simulacrum wiederaufzuführen. Davon zeugt die Omnipräsenz des Lichts in ihren Gemälden. Bei ihr ist das Volle das Abbild des Materiellen – es besteht im Wesentlichen aus Leere. So wird die Bedeutung der Frontalansicht des Gemäldes durch die weißen Lücken relativiert, die die Künstlerin das Bild durchziehen lässt und die gleichzeitig Risse auf dessen Oberfläche darstellen. Es handelt sich jedoch genau genommen nicht um Lücken, sondern sehr wohl um gestaltete Bildpartien, die die Künstlerin in einem zweiten Schritt entfernt. Sie erscheinen zugleich als Risse, die das Bild aushöhlen und einen Teil der Arbeit zum Vorschein bringen, der scheinbar außer Acht gelassen wurde. Diese Kehrseite der Kulisse wird in einem Arbeitsschritt hervorgebracht, bei dem Schalen anfallen, die wiederum für eine Serie von Collagen, Notabene der ursprünglichen Gemälde, wiederverwendet werden.
Was in Präsenz dieser Kehrseite auf dem Spiel steht, ist dessen trügerische und zugleich festliche Beschaffenheit. Der Vorhang reißt und mit ihm die Illusion, der er als Medium diente. Alles, was die Malerin mit Bedacht entschieden und schließlich umgesetzt hat, gerät ins Wanken: Die Tiefe der Risse, die das Bild durchziehen, kündigen deren Fall an. Krone, Hampelmann, Lattenzaun und Klimbim blättern ab wie die Farbe eines Eingangstores, das zu viele Sommer in der Hitze stand. Dahinter schlängelt sich das Licht, unerbittlich. Es scheint in den Eingeweiden des Bildes zu tanzen. Es kündet von der Freude des Geistes, sich einem Teil der Wahrheit zu nähern. Doch über diese Wahrheit sagt Émilie Picard nichts. Es ist eine stumme Wahrheit, die die Künstlerin mit ihren Pinselstrichen zieht, während sie den Betrachtern den Rücken zukehrt.